En el Skyline de Nueva York la exposición de arte y diseño de Galerie Philia en Walker Tower
La última exposición de diseño coleccionable de Galerie PhiliaWalker Tower de Galerie PhiliaWalker Tower de Galerie Philia , que ocupa un apartamento estilo loft de dos pisos en Walker Tower de la ciudad de Nueva York, un emblemático edificio Art Deco en Chelsea, ofrece a los visitantes la oportunidad de admirar obras de estilo y artesanía excepcionales junto con impresionantes vistas sobre el centro de Nueva York. Co-curada en colaboración con el arquitecto y diseñador italiano Pietro Franceschini, la exposición está configurada como un apartamento habitable, mostrando más de 70 obras de 40 diseñadores internacionales representados por Galerie Philia, una galería de arte moderno y diseño contemporáneo con sede en Ginebra con puestos de avanzada en Nueva York y Singapur. La exposición, que se extenderá hasta el 15 de mayo, es parte de una serie de exposiciones temporales en todo el mundo con el objetivo de presentar a los diseñadores emergentes y consagrados de la galería a nuevas audiencias.
Construida en 1929 por el arquitecto Ralph Walker, una figura clave del movimiento arquitectónico Art Deco en Estados Unidos, la Walker Tower de 23 pisos personifica la herencia Art Deco de Nueva York con sus retrocesos al estilo de Gotham, patrones rítmicos de ladrillos y ornamentación externa . No obstante, su activo más impresionante se puede encontrar en el interior, especialmente en los pisos superiores, como es el caso del lugar temporal de Galerie Philia, que cuenta con vistas panorámicas del horizonte de Nueva York, cortesía de techos altos y ventanas de piso a techo en todo el apartamento. Paredes blancas y suelos de madera oscura completan los austeros interiores permitiendo que los muebles y objetos decorativos expuestos ocupen un lugar central.
Ejemplificando la diversa lista de artistas y diseñadores internacionales de la galería, las obras expuestas variación en disciplina, materiales y estilo, pero comparten una estética mínima, aunque no reductiva, señala como Franceschini, que muestra una paleta de colores neutros de principalmente negro, blanco y bronce, junto con un enfoque en la artesanía. De concepción escultórica y sensibilidad primitiva, muchas piezas proyectan una vibra masculina, pero al mismo tiempo insinúan un lado femenino a través de formas sinuosas, esbeltas o evocadoras, mientras que otras flotan entre lo natural y lo artificial, y el caos y el orden. Tomemos, por ejemplo, al diseñador estadounidense Evan Fay. el fauteuil "Lawless" esculpido a mano que combina una maraña caótica de tentáculos de espuma con el orden geométrico de una estructura similar a un andamio, o la mesa auxiliar "Stag" del aclamado diseñador de modas Rick Owen hecha con cuernos de alce y dos tablas de madera contrachapada.
Abundan las obras monolíticas que aparecen como objetos primitivos, desde las formas cubistas de la silla negra "Kub" del diseñador sueco Lucas Morten , inspirada en la arquitectura brutalista y los zigurats de la antigua Mesopotamia, y el candelabro de roble macizo del diseñador belga Arno Declercq , hasta el minimalismo fálico de la lámpara de pie esculpida en latón de Nikhil Paul para su marca de iluminación Paul Matter , el tótem de la "Torre de Córcega" de Vince Skelly esculpida a mano por un solo bloque de roble, hasta las formas orgánicas de Filadelfia Silla de cemento rosa caramelo de Studio Noon .
La unión de las formas orgánicas con las geométricas es otro vínculo de conexión entre las piezas heterogéneas de la exposición, como lo demuestra la impresionante lámpara de araña de alabastro "Infinity" de Atelier Alain Ellouz , con sede en París, el sofá retorcido "Landscape" de Nina Edwards Anker para su marca nea studio , Las lámparas de mesa de gres de la ceramista francesa Elisa Uberti , y las esculturas facetadas en forma de minerales de Awaré , una colaboración entre el escultor Jérôme Pereira y la artista visual Sylvia Eustache Rools . Otras obras abarcan formas geométricas puras como el banco "Gestalt" en forma de anillo del estudio belga SMENT de los diseñadores Frederik Bogaertsy Jochen Sablon , la silla triangular de bronce y cuero “Alchemy” de Rick Owens , y el banco arqueado de latón del co-curador de la exposición, Pietro Franceschini .
Suavizando la paleta de colores en tonos blancos con negro, y el latón, el diseñador holandés Laurids Gallée '‘Consola Verde’, s Sander Bottinga ‘s lámpara de mesa con flecos, y la mesita de roca volcánica‘La vida en la Tierra’por Nata Janberidze y Keti Toloraia Tbilisi 's estudio de diseño basado en habitaciones añaden sutiles acentos verdes. Más color se encuentra en la última estancia, apodada el “dormitorio pastel” por sus tonalidades rosa, amarillo y verde. Robando el centro de atención está una lámpara de pie de color limón con apariencia de tótem de la joven diseñadora francesa Léa Mestres , cuyo trabajo caprichoso se inspira en artistas como Niki de Saint Phalle y Wendell Castle, y en un artista nacido en Brasil y con sede en Nueva York.El evocador cuadro de Théo Pinto titulado "Crepúsculo de finales de verano".
Más que una colección de objetos bellamente elaborados, el logro de los curadores radica en crear una puesta en escena coherente a pesar de su heterogeneidad, un espacio habitable donde nada se siente fuera de lugar o fuera de contexto. En contraste con el horizonte de la ciudad de Nueva York, las diversas obras en exhibición no pueden evitar hacer eco del paisaje urbano multifacético pero armonioso del exterior.